Признайтесь, вы когда-нибудь да прочесывали весь интернет с целью изучить ту или иную известную личность. И для этого не обязательно быть сумасшедшим фанатом. Мы тоже так делаем. Ведь становятся популярными только те, кого хочется изучать и у кого, как правило, есть в чем с удовольствием покопаться. И знаете, что мы заметили? Если личность, которую вы изучаете пишет картины — ликуйте. У вас есть возможность заглянуть ей прямо в душу. Картины дают возможность посмотреть на мир через призму восприятия художника. Конечно же такая возможность просто не могла пройти мимо нашего интереса.
Рисующих знаменитостей много, поэтому мы выбрали шесть индивидов по субъективным предпочтениям и попытали удачу выяснить, что выливается на их холсты из самого нутра. Узнали много чего интересного и готовы этим поделиться. Итак, добро пожаловать в душу знаменитости.
Все картины рождаются одинаково. Вот холст, вот краски
Мало кто не видел обложку альбома Оксимирона (признан иностранным агентом) «Красота и уродство». Еще меньше тех, кто знает, что на нем изображено. Кто-то видит в красном пятне на обложке отсылку к кадру из фильма «Антихрист». Кто-то видит символическое изображение Левиафана. А кто-то вообще авокадо… Но возьмите во внимание, что обложкой альбома стало одно из десятка абстрактных полотен Бориса Гребенщикова, лидера культовой рок-группы «Аквариум» (признан иностранным агентом). А это много что объясняет.
Обложка альбама Оксимирона «Красота и уродство»
Живописное творчество Гребенщикова далеко от концептуализма. Он пишет не по заранее продуманному замыслу, а скорее в «припадке» вдохновения. Так что на вопрос, что изображено на обложке альбома Окси отвечаем: таинственное нечто, родившееся из творческого порыва одного рокера.
Во множестве интервью Гребенщиков жалуется на нехватку времени. Из-за туров он редко появляется дома — рисует, лишь когда хватает сил доползти до холста. Но рисует давно, еще с 76-ого года. Потому галерея у него собралась нехилая.
При этом назвать рисование «хобби» у Гребенщекова язык не поворачивается. Он не выделяет дело более предпочтительное между музыкой и живописью: «Если я чем-то занимаюсь, я этим занимаюсь полностью». За этим стоит занятнейшая философия. Наблюдая за процессом старения тела, Борис осознает, что жить осталось не так много, а удовольствий, которые предстоит получить, еще бесконечное количество. Потому он решил заниматься только тем, что приносит максимальную радость, а все остальное посылать куда-нибудь подальше. Донельзя мудро.
Несмотря на немалый ажиотаж коллекционеров вокруг его картин, Гребенщиков утверждает, что уроков рисования не брал ни разу в жизни и, более того, не имеет способностей к рисованию. Потому завидует многим художникам — да так, что, если прицепить к нему микрофон и пустить в музей, вы услышите множество невнятных возгласов, в том числе и матерных.
Борис Гребенщиков на выставке «Тотемы Зимогоров»
Самая дорогая работа Гребенщикова была продана за 25 тысяч евро. Хотя маркетинговых кампаний Гребенщиков никогда активно не проводил, и продает картины только потому, что это позволяет вложить деньги в запись «Аквариума».
Экспрессионизм с ушами сюрреализма
Пожалуй, Рената Литвинова из тех творцов, что хватают искусство во все имеющиеся руки и ноги. Её режиссерские работы выполнены с художественным изыском и живописной таинственностью. Так что не сильно удивляет тот факт, что она еще и рисует. И фотографирует. Ещё и книги пишет. И даже духи свои недавно выпустила. В общем, берет от жизни все.
По словам её давних знакомых, Рената рисует всю жизнь. На школьных тетрадках. На бумажных салфетках в кафе. На страничках гостиничных блокнотов. На ватманах или страницах А4 —то, что мы чаще можем видеть в интернете и галереях. Причем, рисование её захватывает не менее, чем работа над фильмами. Даже так: рисуя, она может свободнее выражать свой замысел — ни актеры, ни погода, ни бюджет не подведет.
Практически все работы выполнены насыщенно, энергично, часто вырвиглазно. Чаще всего Рената рисует вычурно одетых женщин. Но иногда женщин-кошечек, женщин-птиц, кошек с рюмками, орнаменты из кошек и женщин в шляпках. Персонажи картин часто принимают облик той или иной типизированной эмоции. Обычно они либо веселые, ликующие и пьющие, либо злые и раздражённые. Причём злым персонажам Рената может пририсовать рожки, большой острый нос или другую странность.
Литвинова представляет свою живопись как рассказ о самом сокровенном. При этом в её творчестве заметно преобладает красный цвет. Что может говорить о раздражении или ощущении опасности (но мы конечно не психологи). На некоторых работах символически отображены весьма читаемые драматические сюжеты. Разъяснять мы их не берёмся, ибо смысл рождается в глазах смотрящего.
Помимо рисования, Рената занимается фотопроектами. Например в 2020 году Литвинова спродюсировала собственный арт-проект для журнала Vogue, где выступила в роли модели. Визуально-литературный эксперимент Ренаты рассказывает о встрече в лесу июньским вечером с Железной Королевой. Замысел работ состоял в том, что поверх фотографий артистка наносила рисунки, повторяющие контуры объектов. Получилось очень даже вкусно и по-экспрессионистски. Запечатлённое женское тело и одежда перестает быть просто красивым объектом кадра: поза модели и предметы одежды заигрывают со зрителем какими-то неземными красками.
Во многих работах Рената отсылала к картинам культовых художников. К примеру, фотография, которая во многом повторяет картину норвежского художника Эдварда Мунка «Крик»: в центре композиции человеческий образ в черном и волнистые линии обрамляющие пейзаж.
Некоторые карточки Литвиновой стилистически напоминают картины Винсента Ван Гога. Что весьма символично, ведь его творческий опыт предвосхитил появление экспрессионизма. А Литвинова в своём проекте как раз таки отдаёт дань уважения экспрессионизму.
Это, конечно, далеко не все арт-проекты под предводительством Литвиновой. Если вдруг вас заинтересовало творчество Ренаты, картины, постеры, книги, парфюмы она продаёт в своём онлайн-магазине — renatalitvinovastore.
Мрачная красота монстров Тима Бёртона
Вряд ли вы удивлены, увидев это имя в нашей подборке. Великолепный режиссер и мультипликатор просто не может не быть талантливым художником. Но мир Бёртона, который перевернул привычную диснеевскую формулу мультипликации, настолько завораживает, что было бы немыслимо не упомянуть его и не полюбоваться вместе с вами лишний разочек.
Чаще всего рисунки Бёртона – это зарисовки персонажей его будущих фильмов, которые после длительной работы оживают на широких экранах всего мира. Однако в коллекции Тима также имеется также живопись, написанная маслом, пастелью или чернилами.
На его выставках помимо картин представлено множество работ с движущимися изображениями и скульптурных инсталляций. К примеру, международная выставка «Мир Тима Бертона» демонстрирует весь спектр его творчества, раскрывая разностороннего художника, чье видение выходит за рамки сред и форматов.
Пожалуй, даже тот, кто не смотрел ни одного фильма Бертона, угадает по его рисункам автора. Каждой его работе присуща карнавальность (смесь комедии и гротеска), которая занимает видное место и в фильмах Бертона. И, конечно же, его излюбленный мотив — душевные тяготы аутсайдеров (от «Эдварда Руки-ножницы» до «Франкенвини» в фильмах) — искусно выражен в рисунках.
Мир Тима Бертона гастролирует по всему миру с 2014 года. Другие монографические выставки, такие как «Затерянный Вегас» и «Мрачная красота монстров», показали различные аспекты творчества и карьеры автора. Посетить выставки Бёртона не всем будет просто, но можно посмотреть обширную галерею на сайте режиссера — timburton.com.
Большой художник с большой буквы Х
Эпатажный Шнуров эпатажен во всем. Он тоже немало преуспел в живописи и даже придумал свое направление в искусстве «брендреализм». Еще в 2005 году он написал манифест брендреализма. Суть его сводится к тому, что современный человек наивно полагает, что искусственно сгенерированные бренды, среди которых он обитает, и есть реальная жизнь. А-ля ТВ-шоу, модные марки телефонов – всё чем он живет и дышит. Помните идею общества потребления Пелевина? Считайте, брендреализм — жирная отсылка на неё. Шнуров признает, что все его творчество: и песни, и клипы и живопись, — тоже стало брендом. И сам он бренд, который манипулирует другими брендами.
«Могу быть брендом с меньшей капитализацией, могу быть обанкротившимся, могу с развивающейся экспансией. Но обычным человеком я уже никогда не стану.»
Любопытный факт — поначалу Шнуров писал картины сам. Потом прочитал «Смерть автора» Ролана Барта, и, видимо, понял его как то по-своему. Под впечатлениями Шнуров решил, что автор в нем тоже умер, и стал лишь руководить командой помощников, которая воплощала в жизнь его концепции.
В 2017 году Шнуров отметил десятилетие направления большой выставкой в Московском музее современного искусства. Задачей выставки было выразить критическое отношение к брендам и искусству в целом. И некоторые инсталляции на выставке больно уж напоминают уорхоловские творения (как и в целом брендреализм напоминает поп-арт), особенно банки из-под сгущенки с нефтью. Но, возможно это намеренное заигрывание с наследием. На выставке представлены и более очевидные работы, подражающие знаменитым художникам из серии «В Эрмитаже».
На каждой картине можно найти и узнать либо символ, либо проекцию популярного бренда. «Дорога в страну М» — уходящая к горизонту тропинка посреди красного поля. В небе висит то ли светлое облако, то ли клубочек дыма. В любом случае не распознать в картине отсылку к марке сигарет достаточно трудно. Бренд узнаваем, как и на большинстве полотен Шнура.
Но, к счастью, игрой с логотипами его творчество не ограничивается. Брендреализм — это не только о выборе между Coca-Cola и Pepsi. Это также о шаблонах общественного вкуса вплоть до стиля жизни — от пресловутого ЗОЖ до выбора образования и рода деятельности. Потому и человек может стать брендом. И, пожалуй, самая любопытная работа «Земфира — жив» посвящена именно этой теме. Шнуров попытался провести визуальное исследование по происхождению бренда по имени Земфира. Суть названия картины связана с убеждением, что Земфира — продолжательница дела Цоя, имя которого на заборах все пишут по соседству со словом «жив». Как-то Шнуров заставил шить ковер уфимских бабушек, потому что певица родом из Уфы. Ну и окантовка у ковра напоминает флаг Великобритании, потому что рок — жанр, который мы позаимствовали из Британии.
Ну и, конечно же, главным экспонатом выставки Шнуров назвал самого себя. Хотя и сам артист на стенах музея не висел… Хотя нет, вот же он — на каждой картине красными буквами.
Просто дать волю своим творческим сокам
В 2010 году Энтони Хопкинса называли чем-то вроде человека эпохи возрождения: сначала он написал сценарий фильма «Слипстрим». Далее состоялась мировая премьера его симфонической композиции «Маска времени». А после еще и проходит первая выставка его картин. Всесторонне образованный человек, так сказать, обученный всем искусствам.
Хопкинс любил рисовать еще в детстве, но из-за врождённой неусидчивости забросил свои занятия. И только к 2003 году Энтони возродил своё давнее увлечение. Это было всего лишь хобби, пока его жена актриса Стелла Арройяве, увидев несколько рисунков, не посоветовала ему заняться живописью серьезнее. За чем последовал большой успех Хопкинса как художника.
При этом Хопкинс не любит говорить о себе, как о талантливом художнике.
«Я не хочу, чтобы это казалось важным или серьезным, потому что сейчас ко всему относятся излишне серьёзно, будь то бизнес или искусство. Это не по мне. Не хочу впадать в тоску».
По словам актера, рисует он быстро, и даже несколько примитивно, потому что ему просто нравится процесс.
Стиль Хопкинса очень своеобразный: это экспрессивные, яркие образы, главное место на полотнах занимают глаза. Такая перенасыщенность картин сочным цветом, в особенности красным и желтым — результат вдохновения испанскими мотивами. К тому же его муза и жена — колумбийка и любительница своей культуры, и соответственно такая же любительница ярких красок.
Среди полотен Хопкинса встречаются и спокойные классические пейзажи. Но чаще это цветастые портреты с огромными меланхоличными глазами. Главное в картинах Энтони — не концепт, а эмоции, которые и выражают эти притягательные глаза у персонажей его работ.
Актёр обожает свою студию в Малибу и старается писать картины каждый день. Иногда он даже одновременно работает над несколькими картинами, используя для этого масштабные холсты, акрил и тушь. Предпочитает мастихин кистям, от этого работы становятся фактурными.
Его картины сейчас выставлены на двух разных курортах Лас-Вегаса. И некоторые из них были проданы за более чем 80 000 долларов, при том, что он никогда не прибегал к традиционному художественному обучению. Было достаточно просто дать волю своим творческим сокам. И быть харизматичным стариком с мировой известностью.
Художник, который был вынужден сниматься в кино
Пожалуй, такого твиста от героя боевиков не ожидал никто. Более 35 лет Сильвестр Сталлоне шел к своей мечте. С самого детства он хочет быть именно художником. А актерскую карьеру он выбрал только для того, чтобы подзаработать денег на осуществление мечты. И только в 2011 в Швейцарии публика впервые увидела картины Сталлоне. Получив высокую оценку искусствоведов, его работы стали выставляться в крупнейших галереях Европы и Америки (в 2013 году Сталлоне демонстрировал свои работы даже в Русском музее Санкт-Петербурга, несмотря на то что за отмену выставки гневно ратовали «Коммунисты Петербурга» — очень их обидели некоторые роли Сталлоне).
Предпочтение живописи, Сильвестр объясняет возможностью творить самостоятельно и независимо от множества людей в отличие от съёмочной площадки. Но при этом его кино деятельность легла в основу сюжетов большинства полотен. Хотя немало и работ отражающих личные переживания актера, как правило, вызывающих больший интерес.
В аннотации к картине «Семейные связи» он размышляет о внутреннем ребенке, который есть даже в самых суровых мужчинах. На табличке под картиной Сталлоне признается, что пустота без матери никогда не заполняется, по крайней мере в знакомых ему мужчинах. Какими бы суровыми они ни были, в них остается еще какая-то небольшая частичка — маленький ребенок внутри, который кричит и просит о защите.
Самую раннюю из выставляемых работ «В поисках Рокки» Сталлоне написал в 1974. Образ мужчины с красными глазами родился из впечатления от поединка между Мухаммедом Али и неизвестным к тому моменту боксёром Чаком Уэпнером. Красные глаза героя — признак привычки к боли. По замыслу, всё должно было выглядеть, как наскальный рисунок. Для этого Сталлоне взял отвёртку и вырезал характер для работы, которую теперь считают ключевой к творчеству актера.
Стиль живописи Сталлоне искусствоведы именуют фигуративным и абстрактным экспрессионизмом. Интересно, как Сталлоне объясняет тяготение к подобной абстракции:
«Графическая сторона не столько важна для меня. Важно не изобразить цветок таким, какой он есть, а нарисовать то, что он думает».
В свободное время Сталлоне работает в гараже своего дома, при этом признается, что любит рисовать в пижаме - вот такие интересные предпочтения у художников. Актер любит рисовать большие полотна, используя яркие краски и экспрессивные мазки. Чтобы понять смысл многих его картин, стоит обращать внимание на буквы и символы, которые Сильвестр донельзя любит встраивать в композицию. Из работы в работу мы можем увидеть повторяющиеся элементы – часы, которые в разных картинах показывают разное время.
Зарабатывать на искусстве не самоцель для Сталлоне, поэтому некоторые свои работы он просто дарит, а более личные работы не продаёт или не показывает вовсе. Но те работы, которые демонстрирует на выставках, Сталлоне обрамляет в авторские рамы. Причем некоторые полотна обрамляются в рамы с определенной символикой. Пример — картина «Без названия (Майкл Джексон)» на выставке в Русском музее обрамлена лишь наполовину. Возможно, он хотел этим подчеркнуть, что любой художник не может быть до конца доволен результатом и вечно хочет что-то подправить в своей работе. Потому ни одну картину нельзя назвать окончательным вариантом.
Работы Сталлоне кому-то кажутся грубыми, кому-то напротив красивыми и отражающими романтическую душу героя боевиков. Но, насколько показывает опыт, они мало кого оставили равнодушным. Потому что в них живёт тайна переживаний. Здесь и стихия человеческого отчаяния, и надежды, и контраст грубой внешности и мягкого сердца, отражающий внутреннюю жизнь Сталлоне-художника.
К какому итогу мы пришли? Люди вдохновляют. Люди рисуют. Более того, они изливают на холсты свою душу. Вдохновение заражает, но оно мимолетно. И в этом и вся прелесть вешать картины на стены — это способ схватить вдохновение и поместить его навсегда перед своими глазами. Так и только оно никуда от вас не улетит. И это не обязательно должны быть картины селебрити.
Если на какой-то выставке вы поймаете себя на мысли, что вам очень импонирует художник — это значит, что ваше нутро требует заполучить его картину. Прислушивайтесь к своему внутреннему голосу, любое приобретение по его зову точно будет вас радовать долго и возможно даже продуктивно. Всё, что нас окружает, питает нас своей энергией. Проверено на личном опыте.
